By SenzaBarcode Redazione 
Psicologia dell’arte tra percezione, emozioni e cultura: da Fechner ad Arnheim, Freud e Jung, fino alle neuroscienze e alle arti-terapie.
Psicologia e arte sono due discipline che si connettono in modi profondi rivelando meccanismi mentali comuni alla creazione e alla fruizione estetica. Questa relazione emerge in vari modi e in diverse applicazioni pratiche, come l’esplorazione dell’espressione artistica per risolvere conflitti interiori.
In questo articolo, oltre a definire la psicologia dell’arte, ne indagheremo l’origine e le sue forme di applicazione più conosciute, al fine di scoprire cosa si cela dietro la produzione e la visione di un’opera e quali sono le opportunità che l’analisi estetica può offrire.
Definizione e origini storiche
La psicologia dell’arte ha l’obiettivo di indagare i meccanismi mentali alla base della creazione e dell’apprezzamento delle opere artistiche, spaziando dalle arti figurative alla musica, fino alla letteratura. A prima vista psicologia e arte sembrerebbero due campi inconciliabili, ma in realtà riescono a intrecciarsi spesso e volentieri: si pensi ad esempio alla pratica dell’arteterapia, mentre in ambito accademico è possibile individuare vari indirizzi su storia dell’arte e su scienze e tecniche psicologiche e tra i master in psicologia 1° e 2° livello, anche corsi per il coaching in vista delle prestazioni professionali di alto livello, che non riguardano solo il lavoro, ma anche lo sport e l’arte stessa.
Sono varie le opportunità formative in questo settore, anche perché si possono seguire in modalità telematica in università come Unicusano, che permette di seguire le lezioni in modalità e-learning, conciliando impegni e spostamenti.
La psicologia dell’arte, sebbene sia materia che ha quasi due secoli, è stata riconosciuta da poco. Nata nella seconda metà dell’Ottocento con pionieri come Gustav Fechner, che introdusse l’estetica sperimentale studiando il legame tra stimoli fisici e piacere estetico, haguadagnatoriconoscimento accademico solo di recente, con la realizzazione di corsi specifici sul tema.
Contributi della Gestalt e psicoanalisi per la psicologia dell’arte
Tra i contributi storici per il riconoscimento della psicologia dell’arte spicca la psicologia della Gestalt, scuola tedesca sviluppatasi tra 1910 e 1930, che analizza l’opera nella sua totalità percettiva, enfatizzando equilibrio e armonia oltre la somma delle parti, come nei lavori di Rudolf Arnheim.
La psicoanalisi freudiana, invece, vede l’arte come sublimazione di desideri inconsci, un ponte tra realtà frustrante e fantasia appagante, influenzando generazioni successive inclusi Jung e la scuola kleiniana sull’arte come riparazione di traumi infantili. In Italia, per la psicologia dell’arte ricordiamo Graziella Magherini che nel suo testo del 1989, ha descritto la “sindrome di Stendhal”, un sovraccarico emotivo da capolavori artistici che provoca tachicardia e allucinazioni, documentato in oltre 100 casi a Firenze negli anni ‘70.
Neuroscienze e applicazioni terapeutiche per la psicologia dell’arte
Studi recenti, come quelli sulla neuroestetica di Semir Zeki, rivelano l’attivazione di neuroni specchio durante la fruizione, spiegando l’empatia verso l’opera e l’artista, con applicazioni in arti-terapie per curare disagi psichici. Secondo dati dell’Associazione Internazionale per l’Arte e la Psicologia, fondata nel 2000 proprio fa Graziella Magherini, questi meccanismi favoriscono non solo l’analisi estetica ma anche percorsi terapeutici, con il 70% dei pazienti che riporta benefici espressivi in contesti non verbali.
La psicologia dell’arte illumina così il nascosto dietro ogni pennellata, nota o verso, rivelando quanto produzione e visione siano intrecci di mente, emozione e cultura e quanti sia importante favorire l’esperienza culturale per conoscere meglio sé stessi e il funzionamento della propria mente.